⚉ TTW: Sobre el concepto de propiedad en la música contemporánea
⚉ TTW: Sobre el concepto de propiedad en la música contemporánea
#1 Wu-Tang Clan, Cop-y-rights, NFTs y GameStop
⚉ Música como un artefacto artístico:
El 8 de octubre de 2015, unos años después de que comenzaran a crearse bitcoins, Wu-Tang Clan lanzó Once Upon a Time in Shaolin. El álbum se empezó a grabar en 2007 y se concluyó seis años más tarde, en 2013. La conceptualización del proyecto fue a cargo del productor mitad holandés y mitad marroquí Cilvaringz (primer no-norteamericano en firmar por Wu-Tang Clan), quien recibió el apoyo de RZA una vez explicó sus ideas.
De aquel disco tan solo iba a existir una copia y el propietario del artefacto iba a ser decidido a través de una subasta. Wu-Tang Clan, inspirándose en el mecenazgo musical y artístico del Renacimiento, convirtieron aquel concepto en el álbum más caro jamás vendido.
El 3 de mayo de 2015, tras haberse expuesto en eventos privados y tan solo habiéndose podido escuchar 13 minutos del metraje, una puja de alrededor de 2 millones de dólares del CEO de Turing Pharmaceuticals, el polémico Martin Shkreli, acabó por hacerse con la propiedad de la obra. El disco no podría explotarse comercialmente hasta que no se cumpliesen 88 años, aunque sí lanzarse gratuitamente o escucharse en listening sessions. La cubierta y diseño exterior del álbum poseía gran cantidad de piedras preciosas y orfebrería.
Wu-Tang Clan escribió en su página web:
“La industria de la música está en crisis. El valor intrínseco de la música se ha reducido a cero. El arte contemporáneo vale millones en virtud de su exclusividad. En este proyecto adoptamos un enfoque en la música al estilo renacentista de hace 400 años, ofreciéndola como un producto comisionado y permitiendo una trayectoria similar desde la creación hasta su exhibición y venta... Esperamos inspirar e intensificar urgentes debates sobre el futuro de la música”.
Tras las acusaciones de fraude, Shkreli intentó sin éxito vender el álbum en eBay (RZA intentó comprarlo aunque no pudo hacerlo por cuestiones contractuales), aunque finalmente la obra fue confiscada por el tribunal federal como uno de los efectos de valor del magnate.
⚇ panoramic view: sin saberlo ni intuirlo, basándose en conductas renacentistas previas a la explosión de la reproductibilidad en el arte, Wu-Tang Clan construyeron una narrativa singular sobre la propiedad de un artefacto musical. Esta es la misma narrativa que está apunto de extenderse como un nuevo estándar si los NFT y los activos digitales gestionados con Blockchain se consolidan en mundos como la edición musical.
⚇ briefing: ¿Deberíamos considerar a Once Upon a Time in Shaolin como el primer acercamiento al concepto de los NFT en la música (mucho antes que ni siquiera pudiera pensarse en un procedimiento similar)?
⚉ Primeros experimentos con los NFT:
Mientras es cada vez más usual que viejas glorias de la música vendan todos sus derechos de publicación a alguna de las tres grandes multinacionales discográficas, Jacques Greene está demostrando que existen alternativas: el productor electrónico lanzó hace una semana la canción Promise a través del mercado de criptomonedas Foundation, ofreciendo los “derechos de publicación a perpetuidad” y una pieza audiovisual que acompaña la canción.
Finalmente y tras nueve pujas realizadas, “Promise” vendió los derechos a regalías al usuario @skeet por 13.00 ETH (unos 18.000 dólares). Sobre el ejercicio, el canadiense comentó algunas particularidades en su cuenta de Twitter, además de reflexionar sobre sobre la “excitación y miedo” que le generaban estas nuevas posibilidades o el desencanto personal que le ha llevado a iniciar este experimento.
Greene y su sello afiliado LuckyMe figuran como los creadores de la plataforma Foundation, a la que definen como “una promesa”. El label escocés lanzó su primera pieza artística a través de este medio recuperando un diseño exclusivo que apareció en el release Ooops! de Hudson Mohawke en 2008. La pieza fue vendida por 0.6899 ETH (unos 1.200 dólares).
En los últimos días han surgido nuevos experimentos dentro de este tipo de ecosistemas y mercados de criptomonedas: Yaeji ofrece un “digital pet” a través de la plataforma zora.co en forma de “adopción”. Según destacó la periodista y analista Cherie Hu en su cuenta en Twitter, Grimes, 3LAU y Ozuna (juntando sus números) han igualado en tan solo un fin de semana las ventas de NFTs en los últimos nueve meses (alrededor de 18 millones de dólares).
Y personalidades tan influyentes como Richie Hawtin (siempre con un pie en la vanguardia tecnológica), han expresado pensamientos positivos:
“Tenemos la posibilidad de volver a unir algunas de las ideas analógicas de la industria de la música, aquellas que perdimos cuando nos pasamos a lo digital. Música que sabe de dónde viene y quién la ha creado, haciendo conexiones reales entre los fans y los artistas”.
⚇ panoramic view: la acción de Greene, aunque un experimento, revela cómo el entorno digital, a través de las posibilidades de las cadenas de bloques y los NFT, está preparado para una nueva revolución en la “propiedad” de las obras musicales. La narrativa que se transparenta tanto en el concepto llevado a cabo por Wu-Tang Clan como el de Jacques Greene es prácticamente idéntica: modificar el valor de la obra musical, otorgar el control total al artista (y los que creen en su trabajo) sobre el destino de la misma y evadir cualquier condicionamiento contractual con una discográfica.
⚇ briefing: ¿Tienen posibilidades los NFT en el mundo de la edición musical? ¿Es esta una alternativa real para que los artistas generen beneficios? ¿Cuánto tardarán las discográficas en penetrar y regular estos ecosistemas? ¿Este proceso puede devolvernos una audiencia que compra música de forma activa?
⚉ GameStop como metáfora de la relación de Spotify con el valor de la música:
Hace unas semanas que uno de los eventos más importantes de este año comenzó a colapsar los titulares: una operación coordinada desde el grupo de Reddit WallStreetBets (3 millones de usuarios) puso patas arribas Wall Street provocando una de las mayores y más psicóticas short squeeze (liquidación forzosa) que se recuerda.
El núcleo de la rebelión contra la élite (bajista) financiera y sus malas prácticas fue la cadena de tiendas de videojuegos GameStop, que se encontraba al borde de la quiebra con un coste por acción de 17 dólares. La situación de la empresa (como tantas otras) atrae a los inversores y hedge funds que especulan con las compraventas en corto: toman acciones “prestadas” de las compañías, para luego venderlas sabiendo que sus precios caerán y acto seguido podrán comprarlas a un precio más bajo. La diferencia entre el valor más bajo y el más alto se lo queda el inversor que ha hecho la operación.
El 27 de enero las acciones de GameStop llegaron a valer se llegaron a valer 380 dólares, revalorizándose hasta un 134%: los usuarios de WallStreetBets compraron en masa acciones de la cadena con la única intención de que esas acciones subieran de valor (y por tanto, destapar las conductas fraudulentas de este tipo de inversores). Así, fueron muchos los que tuvieron que recomprar sus acciones para limitar unas pérdidas millonarias.
⚇ panoramic view: Relacionando el concepto de venta en corto, un screenshot visto en Twitter me hizo reflexionar sobre la devaluación que los servicios de streaming han generado sobre el “valor” real de la música. Recordemos que la venta en corto es, eminentemente, una negociación bajista de cualquier activo: vender caro para después comprar barato.
Empresas como Spotify han construido su modelo de negocio sobre los derechos de reproducción (la mínima acción que puede ejecutarse sobre una canción es escucharla), un derecho que a partir de la consolidación del servicio, “Spotify paga por nosotros”, mientras nosotros respondemos con una “mínima cuota mensual”.
Cuando apareció Spotify, la música estaba todavía sumergida en el debate sobre las descargas ilegales, hecho que ya había devaluado con creces el “valor” del acto de “comprar un álbum para tener derecho a escucharlo”. Si imaginamos toda la “música” que existía en aquel momento como una gran empresa y todas las canciones existentes como sus acciones, Spotify claramente vendió en corto. Y nosotros, como cómplices indirectos, le echamos un cable.
⚉ El uso del copyright para cortar hemorragias:
Los derechos de autor son buscados e identificados por los algoritmos que “controlan” los contenidos que subimos a plataformas como YouTube o Instagram, para que, si existe infracción, el sistema ejecute una penalización. En muchos casos, los strikes advierten desviando la monetización hacia los autores reales; en otras ocasiones el contenido al completo puede ser bloqueado y eliminado.
Un sargento de Beverly Hills saltó a las cabeceras de la prensa internacional las últimas semanas cuando fue descubierto reproduciendo con su móvil Santeria de Sublime al darse cuenta que estaba siendo filmado. Le siguieron otros vídeos de usuarios que denunciaron la expansión de esta práctica: usar música con copyright para bloquear la difusión de vídeos que pongan en duda las conductas de los agentes de la ley.
En ninguno de los vídeos que surgieron al hilo de esta revelación los agentes estaban teniendo un comportamiento inapropiado, lo que hace pensar que se trata de una “medida de seguridad” o recomendación de los cuerpos de seguridad a todas sus plantillas.
⚇ panoramic view: como un viandante que decide acompañar su paseo diario reproduciendo música licenciada por un altavoz bluetooth, los agentes de policía recurren a una banda sonora que acompañe sus intervenciones para evitar así la difusión de contenido denunciable. Posiblemente sea uno de los usos más sorprendentes de la propiedad intelectual: un mediador para cortar posibles hemorragias.
⚇ briefing: Tras el escándalo en Twitch el pasado 2020 (por las infracciones de la DMCA) y viendo como prácticas de este tipo evidencian lo absurdo del control de vigilancia extrema sobre la propiedad intelectual, ¿no sería buen momento para recapacitar? Una sociedad global de creadores de contenido que no pueden sentarse delante de su cámara y simplemente compartir la música que les gusta seguirá haciéndonos creer que la mejor forma de “recomendar” es un formato tan pobre como las playlists.
⚉ El bloqueo de Bandcamp amplifica la terrible realidad musical China:
⚇ what’s happening: a mediados de este mes de febrero trascendió a través de Radii China que el mercado y servicio de edición de música independiente Bandcamp había sido incluido dentro del Gran Cortafuegos chino. Es decir, está bloqueado. Aunque no se conocen las causas de esta decisión del gobierno chino, el periodista experto en el contexto musical en China Josh Feola apunta a “proteccionismo” antes que “censura”.
⌖ El gobierno chino decidió recientemente bloquear la aplicación Clubhouse.
⚇ panoramic view: la música underground tiene un problema en China. Mientras que SoundCloud lleva bloqueado en el país asiático años, Bandcamp se había convertido en una de las pocas formas que tenían los artistas chinos para mostrar y expandir su música fuera de sus fronteras (sin tener que recurrir a una VPN).
Hace tan solo unos meses, a comienzos de año, el servicio más dedicado a música vanguardista en el país, Xiami Music, desapareció. El negocio del streaming en China es una suerte de oligopolio compartido entre Tencent, Alibaba y Baidu (servicios como QQ, también propiedad de Spotify, o NetEase Music).
⚇ background: a la realidad de tener que enviar las letras de las canciones al gobierno chino previamente a la edición de un álbum, se suma ahora que los creativos chinos deben recurrir al contrabando para publicar su música y alcanzar la audiencia internacional. Sin apenas opciones, solo pueden recurrir a ser oídos por un sello extranjero que decida publicar su música en otro país.
⚇ briefing: ¿Qué nos dice que los artistas chinos se les prive de la posibilidad de alcanzar audiencias internacionales mientras la música occidental puede escucharse en plenitud de condiciones en servicios como QQ o NetEase Music?
⚉ La disolución de Daft Punk:
⚇ what’s happening: Uno de los dúos más influyentes de la música electrónica contemporánea a escala global anunciaron su separación hace exactamente una semana. Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo, quienes iniciaron su proyecto Daft Punk en 1993 y han cosechado 28 años de éxitos, se separan dejando atrás premios Grammy, innumerables himnos modernos y una carrera diversa y con una evolución coherente.
Un vídeo titulado Epilogue, basado en un fragmento de su film Daft Punk's Electroma, acompañó el anuncio de su disolución. Tras su despedida, la versión japonesa en CD de su legendario Discovery alcanzó los 900 dólares en Discogs.
⚇ panoramic view: tras tocar techo con Random Access Memories (2013), álbum donde demostraron que un acto electrónico podía moldearse sin perder sus distintivos, infiltrarse en el mainstream y, sobre todo, influir en el Pop de años posteriores gracias a colaboraciones destinadas de forma excelente, el dúo ya llevaba varios años dando la sensación de estar aplazando lo inevitable. Las últimas y brillantes asistencias en la composición y producción para The Weeknd podrán ahora considerarse como su último éxito.
⚇ back cover: Daft Punk supieron crear su propio estándar y paradigma dentro de la música electrónica; a partir del French Touch (del que surgieron divergencias que van desde el Techno al Jazz), consiguieron trazar una línea entre un estilismo orgánico que supo homenajear (nunca, en este caso, apropiarse) a la música Disco y el Funk hasta recontextualizar el idilio de los músicos franceses de los 70 y 80 con los sintetizadores y las bandas sonoras.
⚉ CTM Drop App como ejemplo de futuro:
⚇ what’s happening: en su reciente edición en 2021, el festival CTM Berlin instauró un nuevo modelo de apoyo a los artistas dentro de su programación: instalando lo que titularon CTM Drop App, los asistentes al evento (dadas las circunstancias, 100% digital) podían invertir en ◊Drops y desviarlos a los artistas del cartel como apoyo directo. En base al número de ◊Drops recibidos, los artistas reciben un sobresueldo al margen de su fee por actuación.
⚇ panoramic view: después de un año especialmente complicado para la música en directo y con muchos artistas en el centro de una crisis existencial, iniciativas como la de CTM Berlin ayudan a evidenciar el apoyo de la audiencia gamificando la experiencia de apoyar “directamente” a los músicos. Lo que importa también aquí es el uso de las nuevas tecnologías aplicadas a través de criptomonedas y la narrativa que desciende hasta los usuarios: existen formas de mostrar un apoyo real a la industria musical y de crear comunidad con el proceso.
⚇ briefing: ¿Deberían todos los festivales comprometidos con la escena musical de vanguardia impulsar iniciativas de este tipo?
⚉ Sen Senra desvela Sublime como adelanto a su próximo EP Corazón Cromado, aunque tanto la canción como su intención dejan entrever un claro conflicto estilístico. Se palpa cierta (y creo que innecesaria) ansiedad por contentar a más tipos de público e imprimir a su propuesta (de naturaleza intimista y conectada genéticamente a tipologías que no cuajan con la pista de baile) otro tipo de velocidad.
⚉ Modern Obscure Music lanza una compilación de seis minutos de duración titulada PRSNT. Contiene una serie de piezas comisionadas que apenas sobrepasan los 30 segundos. El sello propiedad de Pedro Vian y Christian López propone un ejercicio conceptual que quiere fijar la mirada en nuestros hábitos como consumidores de contenido. Según comentan, el desencadenante fue conocer que “un tercio de los usuarios de plataformas de streaming saltan de pista tras reproducir los primeros 30 segundos”.
“La necesidad de eficiencia y placer instantáneo conduce a una simplificación de la ingesta de información, de modo que las personas se convierten en escáneres y decodificadores de información”, añaden en la nota de prensa de la compilación (a la venta el 16 de abril), que incluye a nombres de la talla de Ryuichi Sakamoto, Kelman Duran, Lafawndah, Laurie Spiegel, Lucrecia Dalt o Visible Cloaks.
⚉ James Ferraro presenta la tercera parte de su proyecto Four Pieces For Mirai, Terminus. De alguna manera, el elusivo músico estadounidense lleva casi una década intentando representar la decadencia de nuestras sociedades a través de diferentes proyectos. Tras iniciar este proyecto de álbumes digitales en 2018, este tercer volumen se caracteriza por ser el más psicótico hasta el momento: ritmos rabiosos, metalizados y de rapidez militar que congenian en ocasiones con el Gabber. Un grito de malestar anti-tecnológico con un mensaje encriptado que puede leerse aquí.
⚉ El folklore mediterráneo de Tarta Relena debuta en Urpa i Musell: el sello de Discos Paradiso (junto con The Indian Runners) recopila en Pack Pro Nobis los primeros EPs del dúo barcelonés y prensa un segundo LP en el que artistas como John Talabot, Mans O, Ex Continent, Shelly y Garru remezclan las canciones del proyecto. Según se puede leer en nota de prensa: “combinando tradición y vanguardia, trabajo intenso y sentido del humor refinado, Tarta Relena han conseguido un equilibrio único”.
⚉ Una petición quiere renombrar una calle de Long Beach como la KMD-MF DOOM Way: tras el repentino fallecimiento de Daniel Dumile aka MF DOOM, el Hip Hop internacional sigue de luto por la pérdida de una de sus figuras más prolíficas e influyentes. Criado en Long Beach (Nueva York), ahora una petición quiere homenajear al rapper estampando su nombre y el de su primer grupo en el bloque de East Hudson Street entre Riverside Boulevard y Long Beach Road.
⚉ La música que Angel Katarian hizo “sólo para él”: el sello de nueva creación Hegoa Diskak surge en el País Vasco para promocionar música experimental de artistas de la región que quedó injustamente olvidada en los años 80 y 90. Mikel Acosta profundiza en las cintas privadas de Angel Katarian, con música creada en los ratos libres que le ofrecía su trabajo como ingeniero y productor en los estudios IZ de San Sebastián. “Experimentos entre una pista de baile desierta y una experiencia cinematográfica”.
⚉ Se cumplen 25 años del álbum Time Tourist de B12: lanzado en 1996, supone una de las obras cumbre en el Intelligent Techno británico con el dúo formado por Michael Golding y Steve Rutter madurando su discurso tras el éxito rotundo de Electro-Soma. Muchos coinciden en que este álbum cierra una de las etapas doradas de Warp Records y aporta una conclusión simbólica para la IDM: tracks como Scriptures sirven de clara definición del movimiento: un Techno orgánico y expansivo que parecía viajar entre espacios dimensionales.
⚉ UNCOVERED
⚇ Ornette Coleman Skies Of America (Columbia, 1972). Uno de los discos menos conocidos del saxofonista por no pertenecer a su época más fértil encabezando las feroces proclamas del Free Jazz, aunque uno de los más incisivos en cuanto a su portada.
Coleman compuso esta suite para la London Symphony Orchestra en un acto creativo no muy usual en su discurso y praxis habituales. Michael Gross, el legendario dibujante que creó el logotipo de Ghostbusters y de la revista de humor National Lampoon, representó para el álbum una fascinante alegoría del presente y futuro de EE.UU: pájaros atacando y arrancando poco a poco partes de una gran bandera del país.
⏦ Ornette Coleman & London Symphony Orchestra Love Life
⚉ NEXT DAYS BRIEFING:
⚇ ¿Tienen los videojuegos la clave para que la música con copyright sea liberada para las grandes plataformas de contenido?
⚇ ¿ Es C. Tangana un retrato de lo que está ocurriendo ideológicamente en España y un síntoma de lo que le ocurrirá a la música urbana en nuestro país?